Джон Реймонд Майрлес попытался объяснить, почему современная фотография очень далека от понимая современного искусства.
Понятно, что огромные массы населения могут не оценить современное искусство. Но вы думаете, что фотографы, которые сами являются творцами, будут ценить искусство и творчество других во всех его формах? Я вижу, что когда дело доходит до настоящего современного искусства, то большинство (но не все) фотографов склонны полностью отказать ему в праве на существование. Вместо того, чтобы быть более открытыми для современного искусства по сравнению с обычными людьми — «не художниками», фотографы, на самом деле, более склонны к пренебрежительному отношению.
Как фотограф я вздрагиваю, когда узнаю как мои коллеги презирают признанные произведения искусства, когда они не соответствуют их предубеждениям в том, что является «хорошим искусством». Иногда, увидев отрицательный отзыв в соцсетях, я хочу прокричать «Только потому, что вы не понимаете, не означает, что это плохое искусство!» Но это не только тема для споров, современное искусство для фотографов важно как источник вдохновения и творчества. Потратив время на изучение современных подходов в искусстве, фотографы растут в своей профессии, улучшают свое положение на рынке и даже открывают дверь в ту область, где сами могут стать уважаемым художником.
Если же ничего этого и не произойдет, то вот что сказал недавно мой знакомый, тоже фотограф: «Это разговор, который стоит потраченного времени».
Есть огромное число стилей и типов работ, поэтому нет одного слова, чтобы обозначить работы, которые были сделаны в последние тридцать лет. «Пост-модернизм» часто используется для описания недавней работы, однако данное обозначение, на самом деле, представляет собой название философски ориентированного направления, а не конкретный визуальный стиль. Текущие работы, признанные миром как «искусство» обычно называют современным искусством, в которое входит определенный диапазон абстрактной живописи, некоторых видов фотографии, концептуальное искусство, инсталляции и тому подобное. Более традиционные произведения, типа пейзажей, бронзовые скульптуры или играющие в покер собаки, хотя они и могут быть созданы работающими сейчас художниками, обычно не считаются современным искусством.
Для этой статьи будет использоваться термин «современное искусство» вместо «модерна», и речь пойдет о нетрадиционных формах искусства.
При изучении работ, похожих на представленную выше, нередко можно услышать жалобы: это не искусство, в чем смысл, где здесь навык художника? это скучно. И слишком часто встречающееся: «Я бы мог сделать так же». Когда вы посмотрите на фото, которое представлено ниже, за авторством Андреаса Гурски под названием «Рейн II», вы можете представить все упомянутые критические замечания, размышляя над тем, что когда эта работа была продана на аукционе в 2011 году за 4.3 миллиона долларов, то она стала самой дорогой в мире фотографией.
Рейн II, Андреас Гурски
Между тем, фотография пыталась утвердится в качестве формы искусства. Конечно, фотография была прекрасна для портретов и пейзажей, но были ли это искусство с большой буквы? Видя как искусство доминирует в живописи, фотографы пытались сделать свои снимки похожими на картины. Благодаря этим усилиям появился стиль, известный как пикториализм. Мягкие воздушные снимки, часто лишенные мелких деталей, стали модным стилем в конце XIX века.
Итак, здесь у нас были фотографы, увлеченные живописью, и художники, ставящие под сомнение значимость их работы до такой степени, что французский художник Поль Деларош провозгласил, что «фотография убила живопись». Художники осознавали, что искусство было под вопросом и под давлением.
Ответ на это печальное положение пришел в форме модернизма — движения, которое, возможно, наиболее просто описывается в контексте широко распространенного выражения «форма следует за функцией». Применяя этот принцип к фотографии было высказано мнение, что фотография может быть лучше, чем любой другой способ отображения, эффективно и продуктивно воспроизводя видимый мир на плоской поверхности. Если мы согласны с этим, следовательно обслуживание является ее функцией по мнению модернистов, фотографии должна состоять из изображений, которые используют все технические возможности камеры и средств отображения для точной передачи максимума информации о документируемой сцене.
Воплощение фотографа-модерниста, вероятно связано с кем-то, кого вы никогда не ассоциировали с этим движением в искусстве: знаковый пейзажный фотограф Ансель Адамс. Адамс отлично умел создавать изображения, которые были четкими от начала и до конца, разработал и использовал систему, чтобы вытаскивать каждую крупицу информации из негатива (Зонная теория или Зонная система экспозиции), точно компоновал свои снимки и создал наиболее технически точные отпечатки того времени. По сей день почти все фотографы принимают модернистские приемы Анселя Адамса и многих других, от Ричарда Аведона до Себастио Сальдаго, последовавших за Адамсом.
Если вы фотограф, то нет сомнений, что вы действуете так же. Понимаете ли вы это или нет, но вы модернист!
Между тем, еще в мире живописи понятие «форма следует за функцией» повело художников совсем в другом направлении. Если функцией живописи перестало быть реалистичное воспроизведение реального мира, т.к. теперь это работа фотографии, то теперь она стала свободно заниматься другими нереалистичными представлениями времени, пространства и формы. Например, вместо одной пространственной перспективы в картине может быть несколько (или же вообще ни одной) перспектив. Подумайте о картине Пикассо «Авиньонские девицы», где обнаженные тела не занимают определенного пространства или о работе Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице», которая показывает абстрактную фигуру проходящую через множество точек во времени.
Итак... и живопись и фотография приняли модернизм, но с противоположными результатами: фотография рьяно трудится на реализмом, а живопись реализм забросила и выступает в пользу концептуальных абстракций. Когда мы понимаем это расхождение стремлений, то легко увидеть как фотографы, настолько погруженные в модернистскую традицию тщательно воссоздавать реальность, с трудом принимают работу, которая настолько сильно эту самую реальность игнорирует. К сожалению для фотографов, дальше становится только хуже...
В то время, как модернизм все еще управляет миром профессиональной и любительской фотографии, он в значительной степени заброшен фотохудожниками, работающими с фотографией как со средством. Вместо уникальных композиций и «волшебного часа», арт-фотографы часто используют стандартную перспективу для своих композиций. Прямой снимок банального объекта в обычном свете является общим мотивом арт-фотографии. То, что мир искусства считает «искусством», фотографы часто считают скучным.
Это простая и технически не обработанная эстетика, обычно называемая «невозмутимым взглядом», была также перенесена в портрет. Сравните этот портрет Алека Сота, любимца мира искусства, с более стилизованным портретом работы Марка Селигера, которого любят фотографы. Хотя Селигер успешен в коммерческом плане, его работы с трудом можно назвать современным искусством.
На фотографии Марка Селигера, которую можно увидеть ниже, искусственность (фон и реквизит), элегантное освещение, экспрессия и физическая привлекательность модели — все элементы, которые так важны для профессиональных фотографов — являются проклятием эстетики современного искусства.
Арт-фотографам даже не нужно создавать фотографии, поскольку важно не художественное произведение, а лежащая в основе концепция. Например, это изображение Ричарда Принса на самом деле является фотографией, которую он снял для старой рекламы Мальборо в 70-х годах. Изъятый из своего первоначального контекста, образ теперь является «Деконструкцией американского архетипа». Картина Принса это копия (фотография) копии (рекламы) мифа (ковбоя). То, что этот плагиат принес на аукционе 3.4 миллиона долларов, служит поводом для отвращения фотографов к жанру современного фотоискусства.
По сути, мир современного искусства говорит фотографам: «Все, что вас волнует: техническое мастерство, креативная композиция и даже оригинальное содержимое, больше не имеет значения». Ой.
Было бы легко сказать, что все, что имеет значение, это идея или вызванные эмоции, но это было бы неправдой. Вместо этого, для мафии в современном искусстве (кураторы, владельцы галерей и рецензенты) имеет значение, как идея или концепция, находящаяся в основе работы, ссылается на детали в культуре, философии и других произведениях искусства в настоящем и прошлом. И, конечно, если произведение хорошо обработано (или сделано известным человеком), то так намного лучше.
Когда от зрителя ожидается понимание концепций подобия, деконструкции и семиотики, которые нужны чтобы оценить произведение искусства, неудивительно, что даже опытные покровители искусств «не понимают этого». Как сказал один отставной фотокорреспондент: «У меня всегда есть ощущение, что я присоединился к рассказу в середине и пытаюсь ухватить смысл» (из статьи под названием «Тревожная тенденция в фотографии»).
Эта идея, что нужно читать дополнительную информацию, чтобы понять произведение, противоречит тем ценностям модерниста, которыми дорожат фотографы, в частности правилу, что изображение должно быть полноценно само по себе. Успешное изображении в традиции модернизма использует свои визуальные элементы для построение повествования, понятного для зрителей, без необходимости в дополнительном объяснении. Когда вы видите этот снимок, созданный мной (выше), изображающий женщину в сексуальном нижнем белье, вы интуитивно раскрываете историю, которая в нем есть.
Сравните это с инсталляцией Трейси Эмин (ниже), где очень легко возникает вопрос «какого черта?». Однако эта неопределенная работа «Моя кровать» вошла в шорт-лист премии Тернера и считается одной из основных работ новаторской группы Young British Artists (Молодые британские художники). И это продано на аукционе за 2.5 миллиона фунтов.
Несколько лет назад я столкнулся с пейзажным фотографом Джеффом Митчумом, когда мы оба фотографировали океанский закат. С заметной горечью он жаловался, что несмотря на то, что его работы продавались ценителям по всем миру через галереи в дорогих районах Ла-Хойя и отеле Белладжио в Лас-Вегасе, куратор местного музея не будет ему перезванивать, и, тем более, выставлять его работы. Очевидно, что он не понимал разрыва между современным искусством и фотографией, и на какой стороне он находится.
Важным моментом для читателей, которые хотят совершить переход в современное искусство, будет не совершать ту же самую ошибку. Да, может потребоваться некоторое изучение искусства и истории, чтобы постигнуть, по-видимому, не очень очевидный мир искусства нашего времени, но я обнаружил, что чем больше я знаю о своем ремесле и искусстве, тем более обоснованные решения могу принять, когда развиваю свою карьеру.
Возможно, в следующий раз, когда вы окажетесь в какой-нибудь галерее с белыми стенами (или посмотрите снимки беременной Бейонсе) и столкнетесь с какой-то странной путаницей необработанного контента, который на первый взгляд не имеет смысла, у вас будет лучшее понимание почему этот художник принял именно такое решение. Кто знает, может вам даже понравится.
Понятно, что огромные массы населения могут не оценить современное искусство. Но вы думаете, что фотографы, которые сами являются творцами, будут ценить искусство и творчество других во всех его формах? Я вижу, что когда дело доходит до настоящего современного искусства, то большинство (но не все) фотографов склонны полностью отказать ему в праве на существование. Вместо того, чтобы быть более открытыми для современного искусства по сравнению с обычными людьми — «не художниками», фотографы, на самом деле, более склонны к пренебрежительному отношению.
Как фотограф я вздрагиваю, когда узнаю как мои коллеги презирают признанные произведения искусства, когда они не соответствуют их предубеждениям в том, что является «хорошим искусством». Иногда, увидев отрицательный отзыв в соцсетях, я хочу прокричать «Только потому, что вы не понимаете, не означает, что это плохое искусство!» Но это не только тема для споров, современное искусство для фотографов важно как источник вдохновения и творчества. Потратив время на изучение современных подходов в искусстве, фотографы растут в своей профессии, улучшают свое положение на рынке и даже открывают дверь в ту область, где сами могут стать уважаемым художником.
Если же ничего этого и не произойдет, то вот что сказал недавно мой знакомый, тоже фотограф: «Это разговор, который стоит потраченного времени».
«Две окаменелости», 2017, Джон Реймонд Майрлес
Что такое современное искусство и что им не является?
Прежде, чем мы углубимся в причины, по которым фотографы склонны избегать «современного» искусства, мы сначала должны понять, о чем именно мы говорим. Хотя большинство людей считают все традиционное и авангардное искусство этого и прошлого века «современным искусством», ярлык современного искусства действительно относится к определенному отрезку и стилю работы первой половины XX века. С тех пор мы видели массу различных стилей в искусстве, от абстрактного экспрессионизма до минимализма и поп-арта, каждый из них был в приоритете в определенные периоды времени.Есть огромное число стилей и типов работ, поэтому нет одного слова, чтобы обозначить работы, которые были сделаны в последние тридцать лет. «Пост-модернизм» часто используется для описания недавней работы, однако данное обозначение, на самом деле, представляет собой название философски ориентированного направления, а не конкретный визуальный стиль. Текущие работы, признанные миром как «искусство» обычно называют современным искусством, в которое входит определенный диапазон абстрактной живописи, некоторых видов фотографии, концептуальное искусство, инсталляции и тому подобное. Более традиционные произведения, типа пейзажей, бронзовые скульптуры или играющие в покер собаки, хотя они и могут быть созданы работающими сейчас художниками, обычно не считаются современным искусством.
Для этой статьи будет использоваться термин «современное искусство» вместо «модерна», и речь пойдет о нетрадиционных формах искусства.
Спрос и предложение, 1972, Кэрол Ченг
При изучении работ, похожих на представленную выше, нередко можно услышать жалобы: это не искусство, в чем смысл, где здесь навык художника? это скучно. И слишком часто встречающееся: «Я бы мог сделать так же». Когда вы посмотрите на фото, которое представлено ниже, за авторством Андреаса Гурски под названием «Рейн II», вы можете представить все упомянутые критические замечания, размышляя над тем, что когда эта работа была продана на аукционе в 2011 году за 4.3 миллиона долларов, то она стала самой дорогой в мире фотографией.
Краткая история искусства
Если вы фотограф и задаетесь вопросом, как фотография показанная выше может столько стоить, то вам нужно сначала узнать кое-что об истории искусства. Вернемся назад почти на 200 лет, до того, как фотография стала важной частью жизни, а живопись была основным методом визуальной коммуникации. Если бы вы хотели поделиться историей в визуальном виде, то вам бы пришлось ее нарисовать. Однако, как только появилась фотография, живопись начала испытывать кризис идентичности, поскольку фотография более точно и удобно могла представить трехмерный мир на двумерной поверхности.Между тем, фотография пыталась утвердится в качестве формы искусства. Конечно, фотография была прекрасна для портретов и пейзажей, но были ли это искусство с большой буквы? Видя как искусство доминирует в живописи, фотографы пытались сделать свои снимки похожими на картины. Благодаря этим усилиям появился стиль, известный как пикториализм. Мягкие воздушные снимки, часто лишенные мелких деталей, стали модным стилем в конце XIX века.
Лондон, 1899, Леонард Миссон
Итак, здесь у нас были фотографы, увлеченные живописью, и художники, ставящие под сомнение значимость их работы до такой степени, что французский художник Поль Деларош провозгласил, что «фотография убила живопись». Художники осознавали, что искусство было под вопросом и под давлением.
Ответ на это печальное положение пришел в форме модернизма — движения, которое, возможно, наиболее просто описывается в контексте широко распространенного выражения «форма следует за функцией». Применяя этот принцип к фотографии было высказано мнение, что фотография может быть лучше, чем любой другой способ отображения, эффективно и продуктивно воспроизводя видимый мир на плоской поверхности. Если мы согласны с этим, следовательно обслуживание является ее функцией по мнению модернистов, фотографии должна состоять из изображений, которые используют все технические возможности камеры и средств отображения для точной передачи максимума информации о документируемой сцене.
Воплощение фотографа-модерниста, вероятно связано с кем-то, кого вы никогда не ассоциировали с этим движением в искусстве: знаковый пейзажный фотограф Ансель Адамс. Адамс отлично умел создавать изображения, которые были четкими от начала и до конца, разработал и использовал систему, чтобы вытаскивать каждую крупицу информации из негатива (Зонная теория или Зонная система экспозиции), точно компоновал свои снимки и создал наиболее технически точные отпечатки того времени. По сей день почти все фотографы принимают модернистские приемы Анселя Адамса и многих других, от Ричарда Аведона до Себастио Сальдаго, последовавших за Адамсом.
Если вы фотограф, то нет сомнений, что вы действуете так же. Понимаете ли вы это или нет, но вы модернист!
Титоны и река Снейк, Национальный парк Гранд-Титон, Вайоминг, США, 1942, Ансель Адамс
Между тем, еще в мире живописи понятие «форма следует за функцией» повело художников совсем в другом направлении. Если функцией живописи перестало быть реалистичное воспроизведение реального мира, т.к. теперь это работа фотографии, то теперь она стала свободно заниматься другими нереалистичными представлениями времени, пространства и формы. Например, вместо одной пространственной перспективы в картине может быть несколько (или же вообще ни одной) перспектив. Подумайте о картине Пикассо «Авиньонские девицы», где обнаженные тела не занимают определенного пространства или о работе Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице», которая показывает абстрактную фигуру проходящую через множество точек во времени.
Авиньонские девицы, 1907, Пабло Пикассо
Обнажённая, спускающаяся по лестнице, 1912, Марсель Дюшан
Итак... и живопись и фотография приняли модернизм, но с противоположными результатами: фотография рьяно трудится на реализмом, а живопись реализм забросила и выступает в пользу концептуальных абстракций. Когда мы понимаем это расхождение стремлений, то легко увидеть как фотографы, настолько погруженные в модернистскую традицию тщательно воссоздавать реальность, с трудом принимают работу, которая настолько сильно эту самую реальность игнорирует. К сожалению для фотографов, дальше становится только хуже...
В то время, как модернизм все еще управляет миром профессиональной и любительской фотографии, он в значительной степени заброшен фотохудожниками, работающими с фотографией как со средством. Вместо уникальных композиций и «волшебного часа», арт-фотографы часто используют стандартную перспективу для своих композиций. Прямой снимок банального объекта в обычном свете является общим мотивом арт-фотографии. То, что мир искусства считает «искусством», фотографы часто считают скучным.
Бернард и Хилла Бехер
Это простая и технически не обработанная эстетика, обычно называемая «невозмутимым взглядом», была также перенесена в портрет. Сравните этот портрет Алека Сота, любимца мира искусства, с более стилизованным портретом работы Марка Селигера, которого любят фотографы. Хотя Селигер успешен в коммерческом плане, его работы с трудом можно назвать современным искусством.
Из серии «Сны по Миссисипи», 2002, Алек Сот
На фотографии Марка Селигера, которую можно увидеть ниже, искусственность (фон и реквизит), элегантное освещение, экспрессия и физическая привлекательность модели — все элементы, которые так важны для профессиональных фотографов — являются проклятием эстетики современного искусства.
Марк Селигер
Арт-фотографам даже не нужно создавать фотографии, поскольку важно не художественное произведение, а лежащая в основе концепция. Например, это изображение Ричарда Принса на самом деле является фотографией, которую он снял для старой рекламы Мальборо в 70-х годах. Изъятый из своего первоначального контекста, образ теперь является «Деконструкцией американского архетипа». Картина Принса это копия (фотография) копии (рекламы) мифа (ковбоя). То, что этот плагиат принес на аукционе 3.4 миллиона долларов, служит поводом для отвращения фотографов к жанру современного фотоискусства.
Без названия, 1989, Ричард Принс
По сути, мир современного искусства говорит фотографам: «Все, что вас волнует: техническое мастерство, креативная композиция и даже оригинальное содержимое, больше не имеет значения». Ой.
Было бы легко сказать, что все, что имеет значение, это идея или вызванные эмоции, но это было бы неправдой. Вместо этого, для мафии в современном искусстве (кураторы, владельцы галерей и рецензенты) имеет значение, как идея или концепция, находящаяся в основе работы, ссылается на детали в культуре, философии и других произведениях искусства в настоящем и прошлом. И, конечно, если произведение хорошо обработано (или сделано известным человеком), то так намного лучше.
Фотография или современность
Эта взаимосвязь между фотографией и современным искусством сложнее еще из-за того, что с другой стороны уравнения — стороны живописи и трехмерного искусства — отход от мастерства также усилился. В своем разрыве с реализмом искусство все больше сосредотачивается на раскрытии концепций и философий, и меньше на продвижении эстетических достоинств. Постмодернизм, в частности, посвящен анализу исторических перспектив и разоблачению традиционного изложения. По сути, вы не представляете, на что вы смотрите и как об этом можно судить, пока не прочтете подробно написанное заявление автора, которые висит рядом.Когда от зрителя ожидается понимание концепций подобия, деконструкции и семиотики, которые нужны чтобы оценить произведение искусства, неудивительно, что даже опытные покровители искусств «не понимают этого». Как сказал один отставной фотокорреспондент: «У меня всегда есть ощущение, что я присоединился к рассказу в середине и пытаюсь ухватить смысл» (из статьи под названием «Тревожная тенденция в фотографии»).
Джон Реймонд Майрлес
Эта идея, что нужно читать дополнительную информацию, чтобы понять произведение, противоречит тем ценностям модерниста, которыми дорожат фотографы, в частности правилу, что изображение должно быть полноценно само по себе. Успешное изображении в традиции модернизма использует свои визуальные элементы для построение повествования, понятного для зрителей, без необходимости в дополнительном объяснении. Когда вы видите этот снимок, созданный мной (выше), изображающий женщину в сексуальном нижнем белье, вы интуитивно раскрываете историю, которая в нем есть.
Сравните это с инсталляцией Трейси Эмин (ниже), где очень легко возникает вопрос «какого черта?». Однако эта неопределенная работа «Моя кровать» вошла в шорт-лист премии Тернера и считается одной из основных работ новаторской группы Young British Artists (Молодые британские художники). И это продано на аукционе за 2.5 миллиона фунтов.
Моя кровать, 1998, Трейси Эмин
Последние мысли
Это может быть болезненно, но профессия фотографа и изучение фотографии застряло в эволюционном тупике. Несмотря на то, что в последующие годы будет создано много великих и даже культовых работ, пока фотография привязана к ограничениям модернизма, она вряд ли будет принята в мир современного искусства. Фотография, как ее понимают фотографы, будет навсегда оставлена за бортом.Несколько лет назад я столкнулся с пейзажным фотографом Джеффом Митчумом, когда мы оба фотографировали океанский закат. С заметной горечью он жаловался, что несмотря на то, что его работы продавались ценителям по всем миру через галереи в дорогих районах Ла-Хойя и отеле Белладжио в Лас-Вегасе, куратор местного музея не будет ему перезванивать, и, тем более, выставлять его работы. Очевидно, что он не понимал разрыва между современным искусством и фотографией, и на какой стороне он находится.
Важным моментом для читателей, которые хотят совершить переход в современное искусство, будет не совершать ту же самую ошибку. Да, может потребоваться некоторое изучение искусства и истории, чтобы постигнуть, по-видимому, не очень очевидный мир искусства нашего времени, но я обнаружил, что чем больше я знаю о своем ремесле и искусстве, тем более обоснованные решения могу принять, когда развиваю свою карьеру.
Возможно, в следующий раз, когда вы окажетесь в какой-нибудь галерее с белыми стенами (или посмотрите снимки беременной Бейонсе) и столкнетесь с какой-то странной путаницей необработанного контента, который на первый взгляд не имеет смысла, у вас будет лучшее понимание почему этот художник принял именно такое решение. Кто знает, может вам даже понравится.
Отправить комментарий