Сайт DigitalRev рассказал как обработка снимка всегда была частью фотографии, и как она выглядела во времена пленки.
Когда человек смотрит на окружающий мир, его глаза и мозг работают сообща, давая в совокупности около 14-20 ступеней динамического диапазона. Это означает, что разница между яркими бликами и тенями, которые вы можете воспринимать равна от 14 д 20 ступеней камеры. Каждая ступень — это удвоение яркости.
Считается, что средняя современная камера может захватывать около 10 ступеней динамического диапазона без потери деталей. Понимание этого факта может частично объяснить, почему фотографии напрямую полученные из камеры часто не соответствуют ощущениям наблюдателя, которому вживую вид казался весьма впечатляющим.
Обработка снимков всегда существовала как средство воспроизведения того, что могут видеть глаза и не может видеть камера.
Кроме того, автоматическая система замера в камере пытается усреднить светлые и темные участки в кадре. Это означает, что если вы снимаете черную поверхность в автоматическом режиме, камера пытается сделать ее серой. Если вы снимаете сплошной белый цвет, то происходит то же самое. Вы получите два серых снимка, которые выглядят одинаково.
Это в целом означает, что динамический диапазон камеры не соответствует человеческим глазам, поэтому снимки, просто взятые из камеры редко являются хорошим представлением того, что увидел фотограф. Камера не знает, что вы пытаетесь сфотографировать или как бы вы хотели, чтобы это выглядело.
Таким образом, обработка всегда является неотъемлемой частью фотографии. Выражаясь более четко, можно сказать, что фотографы, которые верят, что получают изображение «прямо в камере», выучили только половину своей профессии.
Обработка до цифровой эра выглядела совсем иначе, по сравнению с тем, что происходит сейчас. Вместо Adobe Bridge был контактный лист, но превью выглядели более менее похожими. Нужно было изучать образцы и выбирать те, с которыми дальше нужно работать, с помощью лупы.
С помощью фотоувеличителя изображение проецировалось на фотобумагу. Работа начиналась с базовой экспозиции, которая подходила для большей части кадра. Чтобы осветлить части изображения использовали, например, собственную руку, чтобы заблокировать часть света в определенных местах. Такие области были меньше подвержены воздействию света, что заставляло их выглядеть светлее.
Следующим шагом был противоположный эффект. Нужно было еще раз экспонировать часть кадра, чтобы сделать ее темнее. Чтобы убедится, что остальное изображение не будет затронуто его можно было перекрыть рукой или специально вырезанной маской. Вот почему значок в Adobe Photoshop для затемнения выглядит как рука, создающая круг, через который может проходить свет. Это делалось вручную, почти как и сейчас.
Затем нужно было использовать что-то типа настройки уровней с помощью маски слоя, или градиентного фильтра в Lightroom, чтобы добиться плавного затемнения неба. Это можно сделать перемещая кусок картона вперед-назад под светом фотоувеличителя.
Резкость повышали с помощью лупы. Было много вариантов использования коллажирования с помощью разных врезок, хорошим примером будут работы «Феи из Коттингли».
Вся это обработка была достаточно творческой. Это были навыки фотографа, которые оттачивались со временем, и это позволяло создавать изображения с большим динамическим диапазоном, чтобы лучше отражать реальное пространство, которое видел фотограф. Хороший пример это Ансель Адамс, который сам проявлял пленку, и не отправлял свои негативы в фотолабораторию надеясь на лучшее.
Поэтому в следующий раз, когда кто-то скажет вам, что им нравится получать снимок из камеры, подумайте о том, чтобы дать им ссылку на эту заметку. И помните, что в каком-то смысле этим людям повезло: их путешествие в фотоискусство только начинается.
Отправить комментарий